lundi 29 mai 2017

DASK: Electron Utopia (2017)

"This first album of DASK is the perfect one for those who miss the TD's sequencing patterns  of the 70's"
1 Electron Utopia 13:04
2 Lorentz Force 19:02
3 Desert Synchrotron 5:52
4 Electron Transfer 10:48
5 Electron Transfer (Station Remix) 8:35

SynGate | DASK01 (CD/DDL 57:21) ***½
(Good old sequencer-based Berlin School)
DASK (Danish Arithmetic Sequence Calculator) is the very last new artist to join the SynGate Records label. We have not much information on this artist who remains anonymous, except that he is an engineer in sound which rolls its bump for more than 30 years in the field of the electronics. And since a good 10 years he experiments diverse field recordings as well as techniques of synthesizers, except that he has never recorded them yet. Not being a musician of formation, he always wondered if a not professionally trained musician helps or not to create music as good as a music composed by a professionally trained one. Attracted by the music of Tangerine Dream of the 70's and more recently by the music of Redshift and other artists who use the presence of heavy and hyperactive sequencer, DASK proposes a first album molded on a strong presence of heavy rhythms and of morphic landscapes very floating of the vintage years of the Berlin School style. A first appealing rendezvous which let’s think of a future more than interesting for the many fans of the genre!
The title-track begins this journey at the heart of sequencers with an introduction weaved in soundscapes soaked of cosmic perfumes. Slow layers of synth in tones filled with reverberations glide and weave in and out through stars, so pushing aside the relative tranquility of the cosmos, and scattering sound prisms which fly with their radiant outlines. We are in morphic Berlin School with this intersidereal journey which melt in a beautiful movement of a sequencer and of its keys which move with the fury tied to the beat. The fluid and oscillatory rhythm of "
Electron Utopia" is filled with the charms of the trio Baumann, Franke and Froese with juicy sequences which hammer a rhythmic as well lively as a duet of unicorns which make a thousand kicks in a magical universe. The rhythm is sometimes disentangled and cavorts awkwardly under a thick cloud of very shy effects. That does very TD, but something at the level of synths is missing here. And it's a little the problem of "Electron Utopia". The synths weave the ambiences and the sequencer handles the rhythm. The meeting point between both elements is very small, so splitting ambio-morphic intros which lack a little of reliefs and structures of rhythms which lack a little of decoration. But the aficionados of an excessively sequenced Berlin School will be delighted by this first album of DASK on SynGate.
The long introduction (more than 7 minutes) of "
Lorentz Force" is flooded under howling and hollow winds. Faithful to its acronym, DASK wants to put in music the combination of electric and magnetic force on a point charge due to electromagnetic fields. These winds, thus, throw themselves into the din of a resonant sequence which hammers a linear rhythmic unity and finally a beautiful structure of more harmonious rhythm where the sequences dance and hop with effects of Pink Floyd in the elements of ambiences. The nuances in the structure thwart the redundant effect just with what one needs that to seduce a listening which is even more charmed when the rhythm overflows with more fluidity. "Desert Synchrotron" modulates a big 5 minutes of ambiences with howler winds which mask a little too much the effects of guitar and other effects which would give more panache to the effects of loops of this storm of static elements. But "Electron Transfer" takes the lead, both titles should have been linked imo, with a short intro molded on the vestiges of "Desert Synchrotron", I like the effect of the train, which evaporates in order to leave the room to a nervous and lively structure of rhythm. Here, DASK is not so shy to spread effects and fragments of melodies which make very TD. In fact, "Electron Transfer" is the most beautiful title here, even its Station Remix is well done, with a delicious rhythmic pattern, inspired of that of Froese, in Stuntman, which never stop to evolve while maintaining its charms. A very good title which ends a solid first opus of DASK and which is more inspiring that disappointing. I liked 50 minutes on 57 minutes. It isn't that bad, no!

Sylvain Lupari (May 29th, 2017)
synth&sequences.com

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
DASK (Danish Arithmetic Sequence Calculator) est le tout dernier nouvel artiste à rejoindre l'écurie SynGate Records. On a peu d'informations sur cet artiste qui garde l'anonymat, si ce n’est que c'est un ingénieur en son qui roule sa bosse depuis plus de 30 ans dans le milieu de l'électronique. Et depuis un bon 10 ans il expérimente divers enregistrements environnants ainsi que les techniques des synthétiseurs, sauf qu'il n'a jamais endisqué quoi que ce soit. N'étant pas un musicien de formation, il s'est toujours interrogé à savoir si une personne sans formation musicale pouvait créer une musique aussi bonne qu'un artiste ayant eu un parcours académique. Attiré par la musique de Tangerine Dream des années 70 et plus récemment par la musique de Redshift et autres artistes qui sollicitent la présence de séquenceur lourd et hyperactif, DASK propose un premier album moulé sur une forte présence de rythmes lourd et d'ambiances morphiques très planantes des années vintage de la MÉ de style Berlin School. Un premier rendez-vous séduisant qui laisse planer un avenir plus qu'intéressant pour les amateurs du genre.
La pièce-titre amorce ce voyage au cœur de séquenceurs avec une introduction tissée dans des paysages soniques imbibées de parfums cosmiques. De lentes nappes de synthé au tonalités gorgées de réverbérations planent et se faufilent à travers les étoiles, bousculant ainsi la relative tranquillité du cosmos et éparpillant des prismes soniques qui volent avec leurs contours radiants. Nous sommes dans du Berlin School morphique avec ce voyage intersidérale qui se fond à un beau mouvement d'un séquenceur et de ses ions qui se poussent avec la rage au rythme. Le rythme fluide et oscillatoire de "Electron Utopia" est bourré des charmes du trio Baumann, Franke et Froese avec des séquences juteuses qui martèlent une rythmique aussi enlevante qu'un duo de licornes qui font milles ruades dans un univers féérique. Le rythme est parfois décousu et gambade maladroitement sous une nuée d'effets très timides. Ça fait très TD, mais il y manque quelque chose au niveau des synthés. Et c'est un peu le problème de "Electron Utopia". Les synthés tissent les ambiances et le séquenceur manie le rythme. Le point de rencontre entre les deux éléments est très minime, scindant ainsi des intros ambio-morphiques qui manquent un peu de relief et des structures de rythmes qui manquent un peu de décor. Mais les aficionados d'un Berlin School séquencé à outrance seront ravis par ce premier album de DASK sur SynGate.
La longue introduction (plus de 7 minutes) de "Lorentz Force" est noyé sous de vents hurlants et caverneux. Fidèle à son acronyme, DASK veut mettre en musique la force subie par une particule chargée dans un champ électromagnétique. Ces vents, donc, se jettent dans le tintamarre d'une séquence résonnante qui martèle une unité rythmique linéaire et finalement une belle structure de rythme plus harmonique où les séquences dansent avec des effets de Pink Floyd dans les éléments d'ambiance. Les nuances dans la structure contrecarrent l'effet redondant avec juste ce qu’il faut pour séduire une écoute qui est encore plus charmée lorsque le rythme déborde avec plus de fluidité. "Desert Synchrotron" module un gros 5 minutes d'ambiances avec des vents hurleurs qui masquent un peu trop les effets de guitare et autres effets qui donneraient plus de panache aux effets de boucles de cette tempête de statisme. Mais "Electron Transfer" prend le flambeau, les deux titres auraient dû être liés à mon avis, avec une courte intro moulée sur les vestiges "Desert Synchrotron", j'aime bien l'effet du train, qui s'évapore pour laisser toute la place à une structure de rythme nerveuse et entraînante. Ici, DASK ne se gêne pas pour étendre des effets et des bribes de mélodies qui font très TD. En fait, "Electron Transfer" est le titre le plus réussi ici, même son Station Remix est réussie, avec une succulente rythmique inspirée de celle de Froese dans Stuntman qui ne cesse d'évoluer tout en maintenant son charme. Un très bon titre qui clôture un beau premier opus de DASK et qui est

plus inspirant que décevant. J'ai aimé 50 minutes sur 57…ce n'est pas si mal, non!
Sylvain Lupari (29/05/2017)

dimanche 28 mai 2017

BETWEEN INTERVAL: Legacy (2017)

“Everything is so beautiful and lyrical on Legacy and this is why this album needs to be approached with an open mind”
1 The Tunnel 3:23
2 On Track 4:04
3 Accelerant 6:21
4 The Hour Appointed 5:00
5 Septimal Laws 4:25
6 Fields of Neptune 5:12
7 The Outer Shell 8:17
8 Gravity Core 5:46
9 Inner Guidance 7:11
10 Closing In 1:40

Spotted Peccary ‎– SPM-1605 (CD/DDL 51:20) ****
(Ambient, ambient beats, Électronica, Berlin School)
It's with patience that we discover beautiful jewels. Some very beautiful music! As this last album of Between Interval which took a long time to come after the attractive and enigmatic The Edge of a Fairytale released in 2009. And to fill this wait, let's say that Stefan Strand returns in a very great shape after a silence of very close to 8 years from the radar music. And his comeback sounds very pleasant, even if I needed at least 5 good listening before falling under its charms.
Rather furtive bass pulsations are piercing an opaque wall of cerulean droning. Percussive effects get in at the same time that a line of sequences loosens an oscillating stroboscopic approach. These combined elements forge one dense rhythmic skeleton among which the knocks and the ill-assorted jingles smother the rather organic tone of the sequences. This motionless rhythm of "The Tunnel" progresses without ever overflowing in an impermeable atmosphere sewn by a shower of synth lines which shapes a sound panorama as charming as intriguing. Dusts and mists of "The Tunnel" are absorbed by the splendid "On Track" and its charmingly lascivious structure of rhythm which skips between a delicate drumming of sequences and percussive jingles. A very evasive melody lies down there, spreading its melancholy in a sound texture where the style Dub and Ambient House looks for a hidden recess in order to explode. The approach remains however taciturn and quietly the listener goes adrift towards "Accelerant" and its oscillating swell which spins in a tubular corridor. Scattered keyboard chords trace a melody dreamy and nostalgic, like in "On Track", but more in an ambient ethereal mode. They and weave a delicious contrast between its structure of rhythm. These melodic pearls fall like sonic tears throughout the soundscapes of “Legacy”, as in the very ambient and meditative "The Hour Appointed" of which the multiple percussive effects and the reverberations draw a gloomy vibe. "Septimal Laws", just like the superb "Gravity Core", brings us to the level of the snoring ambient and minimalist rhythms of Plastikman in the time of his Consumed. Two simply delicious titles of Techno ambient!
"Fields of Neptune" gets between our ears with good electronic effects and an immense sonic waves which metamorphose into a heavy awning compacted of sibylline songs of steel. A very Berlin School sequence signs an unstable rhythmic which circulates like a vertical auger in an encircling veil of a very striking sonic blue. Now, each title is linked in “Legacy”, giving a mix of styles rather difficult to buy from the first listening. Like this very ambient and restful "The Outer Shell" which nests between two opposites in a delicious cosmic mood. Stefan Strand slides these effects of percussions and piles the synth layers which have so many colors as elements of distant voices, giving so many reliefs to the landscapes of “Legacy”. "Gravity Core" is simply great in its suit of Richie Hawtin. Its snoring sequences resound up to the frontiers of "Inner Guidance", another rather Berlin School title in the vein of "Fields of Neptune" but with a more glaucous decoration in particular because of the resonances effects and the bass pulsations. Slowly this limping rhythm melts in a decoration of ambiences and murmurs to join the furrows of the winds of a space shuttle which derives in a cosmos where lie sonic hoops and their radiances which crumble off in the black.
I have to admit that I needed a very attentive listening before appreciating this last opus of Between Interval. Nevertheless, everything is beautiful and rather lyrical! I imagine that the avalanche of styles, which melt themselves in panoramas sometimes cosmic and sometimes earthly, can leave the fans of a kind or the other one on their appetites. As I, with the effects Plastikman. But in the course of listening, we discover a surprising album which I appreciate even more in every new listening. I hope now not to have to wait another 8 years for a suite to “Legacy”…

Sylvain Lupari (May 27th, 2017)
synth&sequences.com

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
C'est avec la patience que l'on découvre de beaux joyaux. De la très belle musique! Comme ce dernier album de Between Interval qui s'est fait attendre après le séduisant et énigmatique The Edge of a Fairytale paru en 2009. Et pour combler cette attente, dites-vous que Stefan Strand nous revient en très grande forme après un silence de tout près de 8 ans du radar musique. Et les retrouvailles s'annoncent fort agréable, même s'il m'a fallu au moins 5 bonnes écoutes avant de tomber sous ses charmes.
Des basses pulsations assez furtives percent un opaque muraille de bourdonnements céruléens. Des effets percussifs s'invitent en même temps qu'une ligne de séquences délie une approche oscillatrice stroboscopique. Ces éléments combinés forgent une dense ossature rythmique dont les coups et les cliquetis disparates étouffent la tonalité plutôt organique des séquences. Ce rythme stationnaire de "The Tunnel" progresse sans jamais déborder dans une ambiance imperméable cousue par une ondée de lignes de synthé qui moule un panorama sonique aussi enchanteur qu'intrigant. Les poussières et brumes de "The Tunnel" sont absorbées par le superbe "On Track" et sa structure de rythme délicieusement lascive qui sautille entre un délicat tambourinement des séquences et des cliquetis percussifs. Une mélodie très évasive s'y couche, étalant sa mélancolie dans une texture sonique où le style Dub et Ambient House cherche un recoin pour exploser. L'approche reste toutefois taciturne et tranquillement l'auditeur dérive vers "Accelerant" et sa houle oscillatrice qui virevolte dans un couloir tubulaire. Des notes de clavier dispersés tracent une mélodie aussi rêveuse et nostalgique que dans "On Track", mais plus dans un mode ambiant éthéré et tissant ainsi un délicieux contraste entre sa structure de rythme. Ces perles mélodiques se disséminent comme des larmes soniques tout au long des paysages soniques de “Legacy”, comme dans le très ambiant et méditatif "The Hour Appointed" dont les multiples effets de réverbérations et percussifs tissent une ambiance glauque. "Septimal Laws", tout comme le superbe "Gravity Core", nous amène au niveau des ronflants rythmes ambiants et minimalistes de Plastikman du temps du magistral Consumed. Deux titres de Techno ambiant tout simplement délicieux.
"Fields of Neptune" embarque entre nos oreilles avec de bons effets électroniques et d'immenses vagues soniques qui se métamorphosent en un lourd velum compacté par des chants sibyllins d'acier. Une séquence très Berlin School signe une rythmique vacillante qui circule comme un taraud vertical dans un enveloppant linceul d'un bleu sonique très criant. Chaque titre s'enchaîne dans “Legacy”, donnant une macédoine de styles assez difficile à acheter à la première écoute. Comme ce très ambiant et très reposant "The Outer Shell" qui niche entre deux opposés dans une savoureuse ambiance cosmique. Stefan Strand y glisse ces effets percussifs et empile les nappes de synthé qui ont autant de couleurs que d'éléments de voix lointaines, donnant ainsi beaucoup de relief aux paysages d'ambiances de “Legacy”. "Gravity Core" est tout simplement jouissif dans son habit de Richie Hawtin. Ses séquences ronflantes résonnent jusqu'aux limites de "Inner Guidance", un autre titre assez Berlin School dans le genre de "Fields of Neptune" mais avec un décor plus glauque notamment à cause des effets de résonnances des basses pulsations. Doucement ce rythme clopinant se fond dans un décor d'ambiances et de murmures afin de joindre les sillons des vents d'une navette spatiale qui dérive dans un cosmos où jonchent des cerceaux sonores et leurs radiances qui s'effritent dans le noir.
Je dois admettre qu'il m’a fallu une écoute très attentive avant d'apprécier ce dernier opus de Between Interval. Pourtant, tout est beau et assez lyrique! J'imagine que l'avalanche de styles, qui se fondent dans des panoramas tantôt cosmique et tantôt terrestre, peut laisser les amateurs d'un genre ou l'autre sur leurs appétits. Comme moi avec les effets Plastikman. Mais au fil des écoutes, on découvre un étonnant album que j'apprécie encore plus à chaque nouvelle écoute. J'espère maintenant de ne pas avoir à attendre encore 8 ans pour une suite à “Legacy”…

Sylvain Lupari (27/05/2017)

vendredi 26 mai 2017

BERND KISTENMACHER: Disintegration (2017)

“Always presenting EM with a creativity which has just no borders, Disintegration is a worthy suite of Paradise”
1 Disintegrated World 3:24
2 Lost in Time 6:23
3 Running Backwards 7:46
4 Sand in the Desert 2:54
5 Reflecting Ice 11:25
6 On the Edge of Existence 7:19
7 Frozen Magic 10:23
8 Disintegration 13:42

MIRecords ‎– MI10082 (CD/DDL 62:46) ****½
(Symphonic and cinematic EM)
A droning filled of smoke evaporates its opaque shell in a multitude of foggy lines which disintegrate and re-form in screams, like the furious shouts of angels of the apocalypse came bury the last vestiges of the mankind. It's throughout this nightmarish din which is shining of intensity that "Disintegrated World" introduces us to the last musical fresco of Bernd Kistenmacher and his very worried look on the direction and the future of our planet. First studio album of Bernd Kistenmacher since Paradise in 2014, “Disintegration” follows the paths of this album with a profoundly cinematic approach where the intensity and the orchestral gravity seems less stifling than Paradise. If "Disintegrated World" is heavy of burden, the opening of "Lost in Time" is all opposite with a fabulous dance of sequenced arpeggios which draw a melody, eater of ears, which loses of its glossiness in the veils of orchestrations soaked of mysteries, of a cloudiness which augments its presence with a dismaying heaviness. The synth lines divide a state of despondency with murmurs of absent voices and especially layers of apocalyptic clarions which clear a sinister perfume, otherwise of anxiety. "Running Backwards" rivets us to our chair with a delicate sequenced pace which dances with its more translucent shadow. Very hypnotic, this movement circulates such as in an allegorical carousel which goes up and goes down with a bewitching mockery. The layers are very aerial and release some little prisms which make the circular movement of the sequencer glitters. "Sand in the Desert" is a short title as intriguing as "Disintegrated World" with voices which whinge in a desert dirtied of dark dusts and by iodized particles. So many vibes and sounds in hardly 180 seconds!
This short track leads us to the wonderful "
Reflecting Ice". Its first steps are of an overwhelming heaviness. One would say a huge double bass which has difficulty in filtering its notes. But its movement and its nuances are completely delicious. A bass-drum supports with difficulty this pace with the delicate riffs of a synth and its trap of orchestral mists. Trapped in this double bass, the melody evolves with subtle variations in the tone, as in the movement, bringing even more this delicious lento movement towards our cerebral lands. Wonderful, fascinating and insidiously poignant! Afterward we enter into the very floating, ambiospherical domain of “Disintegration”. Orchestral layers, where float absent voices and tears of cellos of which the slow movements tear up the moods of "On the Edge of Existence", flow like a torrent which dives between our ears. This is poetry written on music partitions! "Frozen Magic" is more linear with a more implosive finale which goes out in silence. Now it's time for the title-track! The introduction of "Disintegration" begins with jingles and overstrung organic beatings, like a fauna of hexapods on total delirium. Powerful synth layers, like massive waves of organ, immerse this fauna and takes us by the feelings in order to make us waltz with the unknown. Without rhythm but knotted around violent impulses of layers and this always seductive line of bass, the first minutes of "Disintegration" swallow us in its whirlwind of emotions and in its memories of a session of Paradise. The variations in the multiple arches of the sound waves solidify an interest which increases as soon as our senses seized that the constant crescendo is not only a flash in the pan. One mesmerizing sequence sparkles at the edge of 8 minutes. Its wild blinkings espouse the placidity of a bass pulsations line in order to evaporate as soon as the synth spreads its charms with solos more ethereal than cabalistic. The movement is covered of an attractive hypnotic approach when some chords get stir with the notes of a sitar modelled by the electronic creativity, pushing the finale of “Disintegration” in a phase of domination of the specters which will continue to mop the vestiges of our passage on Earth. Hat to you Bernd for another brilliant opus of creativity, intensity and emotionalism!

Sylvain Lupari (May 25th, 2017)
synth&sequences.com


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Un bourdonnement bourré de boucane évapore sa carapace opaque en une multitude de lignes brumeuses qui se désagrègent et se reforment en cris stridents, comme les cris rageurs des anges de l’apocalypse venu enterrer les derniers vestiges de l'homme. C'est au travers ce tintamarre cauchemardesque reluisant d'intensité que "Disintegrated World" nous introduit à la dernière fresque musicale de Bernd Kistenmacher et de son regard très inquiet sur la direction et l'avenir de notre planète. Premier album studio de Bernd Kistenmacher depuis Paradise en 2014, “Disintegration” suit les sentiers de cet album avec une approche profondément cinématographique où l'intensité et la pesanteur orchestrale semble moins étouffante que Paradise. Si "Disintegrated World" est lourd d'inquiétude, l'ouverture de "Lost in Time" est tout son contraire avec une fabuleuse danse d'arpèges séquencés qui tracent une mélodie mangeuse d'oreille qui perd de sa luisance dans des voiles d'orchestrations imbibées de mystères, d'une nébulosité qui décuple sa présence avec une lourdeur consternante. Les lignes de synthé divisent un état d'accablement très lourd avec des murmures de voix absentes et surtout des nappes de clairons apocalyptiques qui dégagent un parfum sinistre, sinon d'angoisse. "Running Backwards" nous rive à notre chaise avec une délicate mesure séquencée qui danse avec son ombre plus translucide. Très hypnotique, ce mouvement circule comme dans un carrousel allégorique qui monte et descend avec malice envoûtant. Les nappes sont très aériennes et dégagent de petits prismes qui font chatoyer le mouvement circulaire du séquenceur. "Sand in the Desert" est un court titre aussi intrigant que "Disintegrated World" avec des voix qui lyrent dans un désert maculé de poussières ténébreuses et de particules iodées. Beaucoup d'ambiances et de sons en à peine 180 secondes!

Cette courte pièce nous amène au superbe "Reflecting Ice". Ses premiers pas sont d'une lourdeur écrasante. On dirait une contrebasse géante qui peine à filtrer ses notes. Mais son mouvement et ses nuances sont tout à fait exquis. Un bass-drum soutient péniblement cette marche avec les délicats riffs d'un synthé et de son piège de brumes orchestrales. Piégée dans cette contrebasse, la mélodie évolue avec de subtiles variations dans le ton, comme dans le mouvement, amenant encore plus ce délicieux mouvement lento vers nos terres cérébrales. Superbe, passionnant et insidieusement poignant! Par la suite nous entrons dans le domaine très planant, ambiosphérique de “Disintegration”. Des nappes orchestrales, où flottent des voix absentes et des larmes de violoncelles dont les lents mouvements déchirent les ambiances de "On the Edge of Existence", affluent comme un torrent qui se déverse entre nos oreilles. C'est de la poésie écrite sur des partitions de musique! "Frozen Magic" est plus linéaire avec une finale plus implosive qui s'éteint dans le silence. Place à la pièce-titre! L'introduction de "Disintegration" débute avec des cliquetis et des battements organiques surexcités, comme une faune d'hexapodes en plein délire. De puissantes nappes de synthé, comme d'immenses vagues d'orgue, immergent cette faune et nous prend par les émotions afin de nous faire valser avec l'inconnu. Sans rythme mais nouer autour de violentes impulsions des nappes et d'une toujours séduisante ligne de basse, les premières minutes de "Disintegration" nous avalent dans son tourbillon d'émotions et dans ses souvenirs d'une session de Paradise. Les variations dans les multiples courbes des vagues sonores solidifient un intérêt qui s'accroit dès que nos sens ont saisi que le constant crescendo n'est pas un feu de paille. Une envoûtante séquence scintille à l’orée des 8 minutes. Ses féroces clignotements épousent la placidité d'une ligne de basse pulsations pour s'évaporer dès que le synthé déploie ses charmes avec des solos plus éthérés que cabalistiques. Le mouvement est recouvert d'une séduisante approche hypnotique lorsque des accords s'agitent avec les notes d'un sitar modelé par l'électronique, poussant la finale de “Disintegration” dans une phase de domination des spectres qui continueront à éponger les vestiges de notre passage sur la Terre. Chapeau Bernd pour un autre opus éclatant de créativité, d'intensité et d'émotivité!
Sylvain Lupari (25/05/2017)

mercredi 24 mai 2017

BALTES & ERBE: Electric Garden (2017)

“The expectations were very high for a suite to S-thetic² and this Electric Garden meet those pretty solid with another mixture of Ashra rhythms trapped in great synth designs and melodies”
1 Cold Flowers 9:56
2 Violed 5:47
3 Gradient 10:10
4 The Element of Gold 5:04
5 Liquid Plants 5:08
6 Electric Garden 9:52
7 Clicker 4:10
8 Polyaural 6:58
9 Only one Step 3:12
10 Basic Lifeform (The Universe in your Hand) 17:48

Erbe Music (CD/DDL 78:04) ****
(Electronica a la Berlin School sauce)
S-thetic² had took the small and always very wonderful universe of EM by surprise in 2015. The fusion between the styles charmingly opposite of Steve Baltes and Steve Erbe was in perfect balance. And the soft flavors of Steve Baltes' wonderful album Bochum Sky, appeared in 2014, which were roaming on this album have embalmed S-thetic² of a sound and musical veil as dense as profoundly seducing for the ears eager for a fauna of multicolored sounds. So, the bar was very high for Steve Baltes and Steve Erbe. And they knew it! Therefore, “Electric Garden” needed to be dissociated from it a little to have its own identity. And it ended very successfully! Less hard-hitting than S-thetic², “Electric Garden” stages these dislocated rhythms that Ashra put down in our ears during the period of Blackouts. Rhythms which serve as support for some delicious dance of arpeggios which reminds me the very beautiful harmonious era of Jean-Michel Jarre in Arpeggiator. And all in all, “Electric Garden” ends to be a very beautiful album of ambient trance and rhythm where this skillful mixture of Jarre and Ashra is as much improbable as highly fascinating.
A wave waltzing of its brilliant blue sings like a metallic rooster in order to make lift the charmingly undulatory rhythm of "
Cold Flowers". Another synth line, more musical, adds its sibylline flavor while the arpeggios oscillate gently and trace a sequenced harmony which takes its tonus with the arrival of percussions. The rhythm hatches in its convulsive form, hiccupping in symbiosis with the dance of the melodic arpeggios. If Steve Baltes' percussions and sequencing are mesmerizing, the synth layers that Steve Erbe piles add a very ethereal depth, with subtle effects in the decoration, to this kind of flaccid Groove which makes drum our fingers and roll our neck. The armature of charm of the duet is spread with the same sound chemistry as in S-thetic²."Cold Flowers" fades in the intro of "Violed" and of its long line of rhythm syncopated by a curt movement of the sequencer. The keys skip with ferocity in this linear membrane where get grafted keyboards chords which sound just like some singular riffs of rock. And the magic operates. Still here, the synth layers perfume the imagination with good effects. Effects not too numerous but well enough measured to charm the listening. Very minimalist, the structure evolves by showing a good intensity to collide a clearly more livened up phase where the sounds parade like in a stroboscopic kaleidoscope. The ambiospherical side is more present here than in S-thetic². Consequently, it's by an immense veil of floating tones that begins "Gradient". This cosmic introduction is adorned with beautiful fluty lines which try to charm a long wall of interstellar whispers. The effect is as rich as we would imagine to be inside a space shuttle. There are many cosmic elements here which shine in an ethereal tranquility where also shine some lost chords. Percussive noises get in where these chords try to create a melody which will come with a kind of cosmic Groove around the 6th minute. The rhythm is circular and rather lively with good effects of percussions and sequences which hiccough like a dislocated membrane. "The Element of Gold" proposes a more mesmerizing rhythmic structure with a very dance approach which is hammered by good percussions. As a kind of techno for fed zombies, this rhythm offers a languor in its charm which is stressed by a really beautiful melodious approach as much lighthearted than a ballerina dressed all in white who floats in cosmos. I want to hear it again!
Percussive jingles and a line of droning bass, "
Liquid Plants" progresses between two poles. If the rhythm begins its bend, a bit funky but full of Groove jolting, with slamming percussions and full of resonant charms, the synth spreads this constant meshing between sibylline and ethereal lines while plotting effects which hang onto well enough to this harmonious fusion. A static rhythm certainly, but dangerously enchanting. And always these percussive effects which are the equivalent of the numerous sound effects! Speaking of Groove, the title-track is good enough to eat! A suave, lascivious, rhythm, which is pecked by these metallic elytrons and nibbled by chords which fall with weak resonances. Statics and in evolutionary mode, "Electric Garden" increases a little the pace which goes by hastier bounds. The synths are sublime with ectoplasmic layers which wrap us with a surprising veil of sound charms. I love the playing of Steve Baltes but I have to admit that the synth layers from Steve Erbe are totally seductive. And we are not at the end of our charms here, because "Clicker", which bears very well its name, offers a very nerve-racking structure with arpeggios which flicker with fluidity in a gloomy atmosphere. Short and effective! "Polyaural" moves on with a beautiful linear structure which spreads a great oscillating dance of arpeggios under a din of hammering percussions. I cannot refrain from thinking of Jean-Michel Jarre and his Arpeggiator here, but in a more ambient, in a more static version too. This feeling of going deep into the universe of Jarre is more and more perceptible with "Only one Step" which flirts with a kind of Electronica and a very nice melody hung on to the end of its specter. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" ends what will become the next musical act for Baltes & Erbe next tour with an ambiospherical approach decorated with tones as dissimilar as seductive, including soft percussive effects, to say the least for its first 5 minutes. Afterward, a structure of minimalist rhythm, decorated with very Tangerine Dream effects of the Sorcerer years, frees its loops which roll and unroll beneath a pattern of synth layers always so divided between meditation and mysteries. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" falls then in a universe of dance, but not too much, which possesses all the savors of Ashra.
Here we are! The adventure of “
Electric Garden” comes to an end here and so with a long conclusion which let's glimpse a more than interesting 3rd part. I quite enjoyed this universe of dance peeled to its most elementary charms and where the synths dominate like in the good old days. Baltes & Erbe are like 2 fingers in a hand. They complement each other impressively with another great album which distances itself by its very stylized signature. We could not ask better and hope better after the very majestic S-thetic².

Sylvain Lupari (May 24th, 2017)
synth&sequences.com
You will find info on how to get this album on Stefan Erbe web site here

-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
S-thetic² avait surpris le petit univers toujours très merveilleux de la MÉ en 2015. La fusion entre les styles délicieusement opposés de Steve Baltes et Stefan Erbe était juste à point. Et les doux parfums de Bochum Sky, un superbe album de Steve Baltes paru en 2014, qui y rôdaient embaumaient S-thetic² d'un velum sonore et musical aussi dense que profondément séduisant pour les oreilles avides d'une faune de sons multicolores. Donc, la barre était très haute pour Steve Baltes et Stefan Erbe. Et ils le savaient! Fallait donc que “Electric Garden” s'en distance un peu afin d'avoir sa propre identité. Et c'est assez réussi. Moins percutant que S-thetic², “Electric Garden” met en scène ces rythmes disloqués qu'Ashra déposait dans nos oreilles lors de la période Blackouts. Des rythmes qui servent d'appui à de savoureuses danses d'arpèges qui me rappelle la très belle période harmonique de Jean-Michel Jarre dans Arpeggiator. Dans les faits, “Electric Garden” est un très bel album de transes et de rythmes ambiants où cet habile mélange de Jarre et d'Ashar est aussi improbable que hautement fascinant.
Une onde valsant de son bleu éclatant chante comme un coq métallique afin de faire lever le rythme délicieusement ondulatoire de "
Cold Flowers". Une autre ligne de synthé, plus musicale, ajoute son parfum sibyllin alors que des arpèges oscillent paresseusement et tracent une harmonie séquencée qui prend son tonus avec l'arrivée des percussions. Le rythme éclot dans sa forme convulsive, hoquetant en symbiose avec la danse des arpèges mélodiques. Si ces percussions de Steve Baltes sont envoûtantes, les nappes de synthé que Steve Erbe empile ajoutent une profondeur très éthérée, avec de subtils effets dans le décor, à ce genre de Groove molasse qui fait tambouriner nos doigts et rouler notre coup. L'armature de charme du duo est déployée avec la même chimie sonique que dans S-thetic². "Cold Flowers" s'arrime à "Violed" et sa longue ligne de rythme syncopée par un mouvement sec du séquenceur. Les ions sautillent avec férocité dans cette membrane linéaire où se greffent des accords de claviers aussi singuliers que des riffs de rock. Et la magie opère. Encore ici, les nappes de synthé parfument l'imaginaire avec de beaux effets. Des effets pas trop nombreux mais assez bien dosés pour charmer l'écoute. Très minimaliste, la structure évolue en affichant une bonne intensité afin de percuter une phase nettement plus animée où les sons défilent comme dans un kaléidoscope stroboscopique. La portion ambiosphérique est plus présente ici que dans S-thetic². Et c'est donc un immense voile de tonalités planantes que débute "Gradient". Cette introduction cosmique est ornée de belles lignes flûtées qui tentent de charmer une longue muraille de chuchotements interstellaires. L'effet est si riche que l'on se croirait à l'intérieur d’une navette spatiale. Il y a beaucoup d'éléments cosmiques ici qui brillent dans une tranquillité éthérée où tintent des accords perdus. Des bruits percussifs s'invitent lorsque ces accords tentent de créer une mélodie qui viendra avec un genre de Groove cosmique autour de la 6ième minute. Le rythme est circulaire et assez entraînant avec de bons effets de percussions et des séquences qui hoquètent comme une membrane disloquée. "The Element of Gold" propose une structure rythmique plus envoûtante avec une approche très danse qui est martelée par de bonnes percussions. Comme un genre de techno pour zombies repus, ce rythme offre une mollesse dans son charme qui est accentuée par une vraiment belle approche mélodieuse aussi insouciante qu'une ballerine tout de blanc vêtu qui flotte dans le cosmos. Je veux l'entendre encore!
Cliquetis percussifs et ligne de basse vrombissante, "
Liquid Plants" progresse entre deux pôles. Si le rythme amorce son virage, un brin funky mais plein de cahotements de Groove, avec des percussions claquantes et pleines de charmes résonnants, le synthé déploie ce constant maillage entre lignes sibyllines et éthérées tout en mijotant des effets qui s'accrochent assez bien à cette fusion harmonique. Un rythme statique certes, mais dangereusement ensorcelant. Et toujours ces effets percussifs qui sont l'équivalent des nombreux effets sonores. Parlant Groove, la pièce-titre est à croquer. Un rythme suave, lascif, qui est picoré par ces élytres métalliques et mordiller par des accords qui tombent avec de faibles résonnances. Statique et en mode évolutif, "Electric Garden" accentue un peu la cadence qui se traduit par des bondissements plus précipités. Les synthés sont superbes avec des nappes ectoplasmiques qui nous enveloppent d'un étonnant voile de charmes soniques. J'aime bien le jeu de Steve Baltes mais je dois admettre que les nappes de synthé de Steve Erbe sont totalement séduisantes. Et nous ne sommes pas à bout de nos charmes ici, car "Clicker", qui porte très bien son nom, offre une structure très angoissante avec des arpèges qui papillonnent avec fluidité dans une ambiance glauque. Court et efficace! "Polyaural" enchaîne avec une belle structure linéaire qui étend une belle danse oscillatoire des arpèges sous un tintamarre de percussions martelantes. Je ne peux m'empêcher de penser au titre Arpeggiator de Jean Michel Jarre ici, mais dans une version plus ambiante, plus statique aussi. Cette impression de pénétrer l'univers de Jarre est de plus en plus perceptible avec "Only one Step" qui flirte avec un genre Électronica dénudé mais avec une belle mélodie accrochée au bout de son spectre. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" clôture ce qui deviendra la trame sonore de la prochaine tournée de Baltes & Erbe avec une approche ambiosphérique ornée de tonalités aussi disparates que séduisantes, donc de doux effets percussifs, à tout le moins pour ses 5 premières minutes. Par la suite, une structure de rythme minimaliste, agrémentée d'effets très Tangerine Dream des années Sorcerer, déploie ses boucles qui roulent et se déroulent sous un canevas de nappes de synthé toujours aussi divisées entre méditation et énigmatisme. "Basic Lifeform (The Universe in your Hand)" tombe alors dans un univers de danse, mais pas trop, qui possède tous les parfums d'Ashra.
Et voilà! L'aventure de “
Electric Garden” prend fin ici et ainsi avec longue conclusion qui laisse entrevoir un 3ième volet plus qu'intéressant. J'ai bien aimé cet univers de danse décortiqué dans ses charmes les plus élémentaires et où les synthés dominent comme dans le bon vieux temps. Steve Baltes et Stefan Erbe sont comme 2 doigts dans une main. Ils se complètent à merveille avec un très bon album qui se démarque par sa signature très stylisée. On ne pouvait demander mieux et espérer mieux après le très majestueux S-thetic².

Sylvain Lupari (25 Mai 2017)

vendredi 19 mai 2017

BRAINWORK: Back to Future II (2017)

“Great and loud EDM Back to Future II is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4”
1 Green Lake 15:02
2 Rollout to Future 15:01
3 Polymorphin 13:52
4 Berlin Bass 14:44

CUE-RECORDS (CD 59:52) ****
(EDM mixed to the essences of Berlin School)
Brainwork had broken a long silence of 6 years in 2003 with the release of Back to Future. Uwe Saher mixed remarkably his contagious and deafening rhythms of his alter ego Element 4 to movements of rhythms and to vibes stolen in the roots of Berlin School. “Back to Future II” continues in this vein, going even farther with long musical acts where the kind of Trance'n'Dance wears out prematurely our floors while making the neighbors rage. Chronicle of an album which inevitably will please to those who appreciate, without sparing their ears, the kind of Electronica served a la Jean Michel Jarre sauce.
We are fast taken by surprise by the very ambiospherical and chthonian approach of "
Green Lake". Pushes of wind which make shout the dust reveal its first seconds. Somber sinuous synth lines hide hoarse breaths of which the reverberations spread a vampiric bass line. The symbiosis between these two elements creates the perfect illusion that we are in the cave of one dark forest where resound bells of a not too welcoming church. Luciferian choirs amplify this impression when techno beatings knock down the vapor. A delicate melody reveals its magnetizing loops when the rhythm explodes even more with boom-boom and tchak-tchak which resound madly, and in our ears and under our feet. Very hammering, the structure of "Green Lake" remains not less delicious with good synth solos and cosmic effects. Avoiding impressively the traps of repetition and a possible effect of tiredness, Brainwork reworks his structure for a livelier, kind of furious electronic gallop, while maintaining the charms of the Berlin School with this short line of melody which returns haunting us ceaselessly and the agile fingers on a synth which forge beautiful allegorical pirouettes. This is a very good Berlin School melted in a Dance Music on a Rave party! Effects of desolation and Mephistophelian vibes crisscrossed in cosmic effects are the source of inspiration of the opening of "Rollout to Future". A splendid and catchy line of sequences pierces this intriguing fog a few seconds after the point of 3 minutes. The movement spreads beautiful twists which coil up in the oblivion. Quirky effects and a bass line on the point to bite bring this skeleton of rhythm towards the ceaseless hammering of the percussions. Far from being common, it was the first impression that came to mind in front of this Düsseldorf structure, "Rollout to Future" is a little mine of charms with its subtle nuances in the hammering of the rhythm and especially these angelic choirs which are the beginnings of very nice fluty melody. And always these soloes of synth that Uwe Saher throws with a fascinating melodious approach. I hook to it after one or two listening and I finally liked it. My sweet angel Lise found that noisy but very animated. The boom-boom and the tchak-tchak are more lively and more accelerated in "Polymorphin" whose main charms are the kicking of sequences as so furious as Chris Franke liked to create and these effects of orchestrations which filled the structures of Dance Music in the 70-80 years. After an introduction poured into an apocalyptic world, "Berlin Bass" distances itself from deafening rhythms of “Back to Future II” with a nice fusion between Berlin School and Drums'n'Bass, like in Back to Future in 2003. The sequences ring like keys of xylophone which are hide in a dense sound fauna where we can hear an effect of organic and starved bass. The solos of synth are clearly more complex, less harmonious, bringing the evanescent melodies of "Berlin Bass" on the paths of a free jazz.
Great and loud EDM and especially very creative at the level of the movements of sequences and solos to the forms so contrary to the continuous hammering of the boom-boom and the tchak-tchak, “
Back to Future II” is a good fusion between the Berlin School of the Brainwork way and the inciting rhythms of Element 4. And this fusion possesses all the elements to please the fans of both styles, which are sometimes very opposite, and to those who like when Electronica invites itself in a noisy and contagious way in the sometimes too peaceful universe of the Berlin School. And I insist on saying that the solos of synth are wonderful with their sometimes very melodious approaches.
Sylvain Lupari (May 19th, 2017)
synth&sequences.com
You will find a way to order this album on Brainwork Web site here


-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Brainwork brisait un long silence de 6 ans en 2003 avec la parution de Back to Future. Uwe Saher mélangeait à merveille ses rythmes contagieux et assourdissants de son alter égo Element 4 à des mouvements de rythmes et des ambiances pigés dans les racines de la Berlin School. “Back to Future II” poursuit dans cette veine, allant même plus loin avec de longs morceaux où le genre Trance'n'Dance use prématurément nos planchers et fait rager les voisins. Chronique d'un album qui doit nécessairement plaire à ceux qui apprécient sans se ménager les oreilles le genre Électronica de Jean Michel Jarre.
Nous sommes vite déculottés par l'approche très ambiosphérique et chthonienne de "Green Lake". Des poussées de vent qui font crier la poussière éventent ses premières secondes. De sombres lignes sinueuses cachent des souffles rauques dont les réverbérations étendent une ligne de basse vampirique. La symbiose entre ces deux éléments crée la parfaite illusion que nous sommes dans l'antre d'un forêt sombre où résonnent des cloches d'une église pas trop accueillante. Des chœurs lucifériens amplifient cette impression lorsque des battements technoïdes renversent la vapeur. Une délicate mélodie déploie ses boucles magnétisantes lorsque le rythme explose encore plus avec des boom-boom et des tchak-tchak qui résonnent et dans nos oreilles et sous nos pieds. Très martelant, la structure de "Green Lake" n'en demeure pas moins délicieuse avec de bons solos de synthé et des effets cosmiques. Évitant à merveille les pièges de la redondance et un possible effet de lassitude, Brainwork refonte sa structure pour une qui sera plus vive, genre un furieux galop électronique, tout en maintenant les charmes de la Berlin School avec cette courte ligne de mélodie qui revient nous hanter sans cesse et ses doigts agiles sur un synthé qui forgent de belles pirouettes allégoriques. Oui du bon Berlin School fondu dans du Dance Music d'une fête Rave! Effets de désolation et méphistophéliques entrecroisés à des effets cosmiques sont la source d'inspiration de l'ouverture de "Rollout to Future". Une superbe ligne de séquences perce ce brouillard intriguant quelques secondes après la barre des 3 minutes. Le mouvement déploie de belles torsades qui se lovent dans le vide. Des effets biscornus et une ligne de basse sur le point de mordre amènent cette ossature de rythme vers le martelage incessant des percussions. Loin d'être banal, c’est la première impression qui m'a assailli devant cette structure à la Düsseldorf, "Rollout to Future" est une petite mine à charmes avec ses subtiles nuances dans le martelage du rythme et surtout ces chœurs angéliques qui sont la prémices d'une splendide mélodie flûtée. Et toujours ces solos de synthé qu'Uwe Saher lance avec une fascinante approche mélodieuse. On accroche après une ou deux écoutes et on se n'en lance pas par la suite. Ma belle et douce Lise a trouvé ça bruyant mais très enlevant. Les boom-boom et les tchak-tchak sont plus vifs et plus accélérés dans "Polymorphin" dont les principaux charmes sont des ruades de séquences aussi furieuses que Chris Franke aimait créer et ces effets d'orchestrations qui remplissaient les structures de Dance Music des années 70-80. Après une introduction coulée dans un monde apocalyptique, "Berlin Bass" se démarque des rythmes assourdissants de “Back to Future II” avec une belle fusion entre la Berlin School et le Drums'n'Bass, comme dans Back to Future en 2003. Les séquences tintent comme des clés de xylophone camouflées dans une dense faune sonique où on peut entendre un effet de basse organique et affamé. Les solos de synthé sont nettement plus complexes, donc moins harmonieux, amenant les mélodies évanescentes de "Berlin Bass" sur les sentiers d'un Free Jazz.
De la bonne et lourde EDM et surtout très créatif au niveau des mouvements de séquences et des solos aux formes tellement opposées au martelage ininterrompu des boom-boom et des tchak-tchak, “Back to Future II” est une très belle fusion entre le Berlin School à la façon Brainwork et les rythmes incendiaires d'Element 4. Et cette fusion possède tous les éléments pour plaire aux amateurs des 2 styles, qui sont parfois très contraires, et à ceux qui aime lorsque l'Électronica s'invite d'une façon bruyante et contagieuse dans l'univers parfois trop paisible de la Berlin School. J'insiste pour dire que les solos de synthé sont superbes avec leurs approches parfois très mélodieuses.
Sylvain Lupari (19/05/2017)

BRAINWORK: Back to Future (2003)

“Back to Future is a blast! A blast of sequencing, of percussions and of juicy and very acrobatic solos. No wonder why there is a suite!”
1 4am Machines 13:07
2 Back to Future 8:39
3 Sanddunes 9:16
4 Transponder 12:25
5 Offbeats 10:30
6 Back To the Sea 16:25

7 4am Machines (Hatfield & Torpey Remix) 5:41

CUE-RECORDS (CD 76:03) ****

(Berlin School and Drum'n'Bass)
Back to Future” is the first cd of Brainwork since Sensual Reflections, appeared in 1997. A long hiatus where Uwe Saher released 2 albums under the name of Elements 4; Continuation and Live Summer 99, both appeared in 1999. So it was a long silence of 4 years broken by the release of “Back to Future”, an opus where the rhythms take all shapes. From Berlin School to Groove and Drums'n'Bass. Or still of Berlin School on Drums'n'Bass!
From the first notes, "
4 am Machines" places us straight out in the deafening universe of “Back to Future” with a line of sequences which comes off the rails deliciously and hits a wall of layers of mist. These sequences flicker with ascending and downward curves, espousing these stratospheric beatings of Tangerine Dream of which the synth layers moreover drink their memories by big gulps. And when the rhythm gets in seriously after 68 seconds, "4 am Machines" dives rather into an atmosphere of synth-pop while preserving this delicious sequenced pattern as rhythmic as melodic which claims its influence to Franke. The synths are agile and weave feverish melodious lines which have a hard time to follow this good impetus of rhythm which flirts with an intergalactic western. Gradually, "4 am Machines" flows towards a Dub style and a scent of Dance with sequences which flicker as nervously as these beatbox percussions which annoyed the ears during the explosion of the MIDI and of its massive use in the middle of the 80's. The sequences are the heart of the charms of Uwe Saher's music. And we get this as soon as the opening of the title-track with a static movement knotted around fine subtleties. A maelstrom of harmonious keys floats around a structure animated by the arrival of less aggressive percussions, while the synth layers are stretching a charming effect. Effects of psy-dance melt in the decor while a hardly formed melody seduces straightaway on the continuous back and forth of the sequences. A little as in "4 am Machines", "Back to Future" exploits massively its minutes by bringing fine nuances to the vibes, which are weaved with good solos and Mellotron effects, in its rhythmic armature which mixes Berlin School and Groove without too many difficulties. "Sanddunes" is a good title as lively as melodious with a synth loaded of harmonious solos of which the tone is rather similar to a trumpet with a cornet. The movement of the sequencer is still very beautiful and the rhythm flows with a harmonious fluidity which respects the signature of Brainwork. This is an easy one to catch!
And it's an even more livened up and a catchier movement in "
Transponder" where the sequences flutter around with fine oscillating loops in a structure which is well supported by sober percussions. The lines of sequences tumble in cascade in this semi-minimalist pattern which is especially shaded and livened up by convulsive staccatos. A good line of bass adds a finish extremely seducing in this structure which gallops under the whips of the percussions and the effects of dance, as these bangings of hands, to make us breathless from both hemispheres. I believed that this "Transponder" was the limit of a Berlin School in techno mode! Needs to think not, because "Offbeats" is as much hallucinating of rhythm than "Transponder". The sequences are vertiginous and offer long fluctuating phases which make bite their impulse of rhythm by some slamming percussions and a line of bass snoring like a good and very smooth Funk. The percussions sing as the metal can sing and are very incisive, otherwise hard. They hammer an infernal beat which finds a little of respite in the shade of the floating layers. In that time, I remember very well that "Offbeats" was one of the most powerful track that I heard in this fusion of Berlin School, of New Berlin School and of IDM (Intelligent Dance Music). Since then, things did change a lot! "Back to the Sea" is the longest track on “Back to Future” and it starts in lion. The nervous and hopping sequences are losing of their glow under the avalanche of the beatbox percussions of which the machine-gun bursts also lose of their brightness of aggressiveness beneath some furious synth solos which deploy a fierce rage worthy of a guitarist of Hard rock. A mixture of Groove and Rock of an incredible ferocity, "Back to the Sea" abounds nevertheless of these layers which structure the landscapes of atmospheric vibes of the EM universe, but in a very accelerated mode here. A long title which never stops to amaze. Besides the big solos full of twists, there are passages where the percussions hammer the tempo among good effects and layers filled with sedative perfumes. But it's waste of time because "Back to the Sea" is a huge noisy carousel which goes quite fast for a title of 16 minutes.
I have to admit that I had been taken by surprise by this “
Back to Future”. I had read somewhere that this album was a good Berlin School filled of rhythms. I would rather say; blown up by explosive and whirling rhythms. That be the very first album of Brainwork that I heard. And I remember that at that time, Uwe Saher had spoken to me of a new stemming musical genre of Berlin School and Drums'n'Bass, that we could call Sequence'n'Bass or still Berlin Bass of which Uwe will make reference in Back to Future II which will hit the market some 14 years farther. It was a very realistic way to describe the musical ambience which reigns all over “Back to Future”. I first wrote this review in 2007 (in French) and Back to Future II gave me that taste again to dive back into the vibes of the first volume. And phew …! It's a heavy album which I rediscover with more pleasure in 2017. The bludgeoning of the sequencer, as well as these more fluid rhythms, the agility of the percussions, which sometimes thunder with more fury than these lines of bass sequences, and these synth solos as acrobatic as melodic make of “Back to Future” an essential album in the discography of Brainwork. It's hard, very hard and superbly done well. A must if we want to redo our walls and our floor!

Sylvain Lupari (May 17th, 2017)
synth&sequences.com
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-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-
Back to Future” est le premier cd de Brainwork depuis Sensual Reflections, paru en 1997. Une longue période de silence où Uwe Saher a réalisé 2 titres sous le nom d'Elements 4; Continuation et Live Summer 99, tous deux parus en 1999. Un long silence de 4 ans brisé par la parution de “Back to Future”, un opus où le rythme épouse toute les formes. De la Berlin School au Drums'n'Bass, ou encore de la Berlin School sur du Drums'n'Bass.
Dès les premières notes, "4 am Machines" nous place tout de go dans l'univers assourdissant de “Back to Future” avec une ligne de séquences qui déraille savoureusement dans des nappes de brume. Ces séquences papillonnent avec des courbes ascendantes et descendantes, épousant ces battements stratosphériques de Tangerine Dream dont les nappes de synthé d'ailleurs s'abreuvent de leurs souvenirs par grandes goulées. Et lorsque le rythme débarque sérieusement après les 68 secondes, "4 am Machines" plonge plutôt dans une ambiance de synth-pop tout en conservant ce délicieux pattern séquencé aussi rythmique que mélodique qui revendique son emprise Franke. Les synthés sont agiles et forment des lignes mélodieuses fébriles qui peinent à suivre cette bonne envolée de rythme qui flirte avec un western intergalactique. Graduellement, "4 am Machines" coule vers le Dub et une odeur de Dance avec des séquences qui papillonnent aussi nerveusement que ces percussions en canne qui agaçaient les oreilles lors de l'explosion du MIDI et de son utilisation massive dans le milieu des années 80. Les séquences sont le cœur des charmes de la musique d'Uwe Saher. Et cela s'entend dès l'ouverture de la pièce-titre avec un mouvement stationnaire noué autour de fines subtilités. Un maelström de notes harmonieuses flotte autour d'une structure vivifiée par l'arrivée de percussions moins agressives, alors que des nappes de synthé étirent un effet enchanteur. Des effets de psy-dance se fondent dans le décor alors qu'une mélodie à peine formée séduit d'emblée sur le perpétuel va-et-vient des séquences. Un peu comme dans "4 am Machines", "Back to Future" exploite au maximum ses minutes en apportant de fines nuances dans les ambiances, qui sont tissées avec de bons solos et des effets de Mellotron, comme dans son armature rythmique qui mélange Berlin School et Groove sans trop de difficultés. "Sanddunes" est un bon titre aussi entraînant que mélodieux avec un synthé aux solos harmoniques dont la tonalité s'apparente à une trompette avec cornet. Le mouvement du séquenceur est encore très beau et le rythme coule avec une fluidité harmonique qui respecte la signature de Brainwork.
Un mouvement encore plus animé et plus vif dans "Transponder" où les séquences papillonnent avec de fines boucles oscillatrices dans une structure qui est bien soutenue par de sobres percussions. Les lignes de séquences déboulent en cascades dans un pattern semi-minimaliste qui est nuancé et surtout animé de staccatos convulsifs. Une bonne ligne de basse ajoute un fini extrêmement séduisant à cette structure qui galope sous les fouets des percussions et des effets de dance, comme ces claquements de mains, à nous essouffler les deux hémisphères. Je croyais bien que ce "Transponder" était la limite d'un Berlin School en mode techno! Faut croire que non, car "Offbeats" est tout aussi hallucinant de rythme que "Transponder". Les séquences sont vertigineuses et offrent de longues phases oscillatrices qui se font mordent le rythme par des percussions claquantes et une ligne de basse aussi ronflante qu'un bon Funk très coulant. Les percussions chantent comme le métal peut chanter et sont très incisives, sinon dures. Elles martèlent un beat infernal qui trouve un peu de répit à l'ombre des nappes flottantes. À l'époque je me souviens très bien que "Offbeats" était l'un des titres les plus puissants que j'avais entendu dans cette fusion de Berlin School, de New Berlin School et d'IDM (Intelligent Dance Music). Depuis, les choses ont bien changées! "Back to the Sea" est la pièce la plus longue sur “Back to Future” et elle démarre en lion. Les séquences nerveuses et sautillantes perdent de leur lustre sous l'avalanche des percussions en cannes dont les coups de mitraillent perdent aussi leur éclat d'agressivité sous de furieux solos de synthé qui déploient une féroce hargne digne d'un guitariste de Hard-Rock. Un mélange de Groove et de Rock d'une férocité inouïe, "Back to the Sea" regorge pourtant de ces nappes qui structurent les paysages d'ambiances de l'univers EM, mais dans un mode très accéléré ici. Un long titre qui n'en finit plus d'étonner. Outre ses gros solos tout plein de torsades, il y a des passages où les percussions martèlent le tempo parmi de bons effets et des nappes gorgées de parfums sédatifs. Mais peine perdue car "Back to the Sea" est un énorme carrousel tapageur qui passe assez vite pour un titre de 16 minutes.
Je dois admettre que j'avais été pris de court par ce “Back to Future”! J'avais lu quelque part que cet album était un bon Berlin School bourré de rythmes. Moi je dirais plutôt; dynamité de rythmes explosifs et tourbillonnants. Ça été le tout premier album de Brainwork que j'ai entendu. Et je me souviens qu'à l’époque, Uwe Saher m'avait parlé d'un nouveau genre musical issu de la Berlin School et du Drums'n'Bass, que l'on pourrait appeler Sequence'n'Bass ou encore Berlin Bass dont Uwe fera référence dans Back to Future II qui paraîtra quelques 14 ans plus loin. C'était une façon très réaliste de décrire l'ambiance musicale qui règne sur “Back to Future”. J'ai écrit cette chronique en 2007 et Back to Future II m'a redonné ce goût de replonger dans les ambiances du premier volume. Et ouf…! C'est un album lourd que je redécouvre avec plus de plaisir en 2017. Le matraquage du séquenceur, ainsi que ces rythmes plus fluides, l'agilité des percussions, qui parfois tonnent avec plus de fureur que ces lignes de basses séquences, et ces solos de synthé aussi acrobatiques que mélodiques en font un album essentiel dans la discographie de Brainwork. C'est dur, c'est cru et c'est superbement bien fait. Un must si on veut refaire ses murs et son plancher!
Sylvain Lupari (Juillet 2008. Revu et corrigé en Mai 2017)

mercredi 17 mai 2017

STEVE ROACH: The Passing (2017)

“How can Steve Roach be so seducing after so many albums in the same vein? Discover it with this sublime The Passing”
1 The Passing 59:19
Timeroom Editions ‎| TM39 (CD 59:19) *****
(Ambient but still harmonious music)
Steve Roach knew quite a very productive end of 2016 year with 3 albums appeared in December. And each of these albums visited the sound territories occupied by the American synthesist-philosopher since he released Now in 1982. I don't count any more the albums since then, so much they are many and flooded in an impressive list of reissues. The last time when I tried a counting I believe that I had exceeded the point of 100 albums. But it doesn't matter in that story! If some of his works sound as something of deja-entendu, in particular at the level of dark ambient music, others turn out to be monuments of pensive, meditative and transcendental music. Like this impressive “The Passing” whom Steve Roach wrote and performed in 5 days, just in time to be offered in downloadable format the day of his 62nd birthday on February 16th, 2017. Skillfully masterised by Howard Givens, this last album respires the soft perfumes of the best meditative music of the Californian musician sculptor of deep ambiences. A nth album of meditative soundscapes! The source dried up? Not at all! To say the least not here.
The contemplative adventure begins with a deafened wave which spreads its presence like a guide making us discover the greatness of empty spaces. Foggy strands get out from this dense shadow which seems to float as in a passage towards another territory. We can hear secret flutes manipulate the incandescent heaviness of this shadow of which the whispers are reflected into a long ceaseless humming. It's at around the 14th minute when the charm becomes obvious! Some slow wings which are bearer of sibylline harmonies begin to float all around this long wall of vocal drones, reflecting an attractive harmonious approach of which the equivalence is in this ghost melody that our ears savor since the first stammerings of Reflections in Suspension, but in a lento mode. And there far from me the idea to draw a parallel, because over the time I understood that there is only one
Structures from Silence. All which looks like it, set apart Emotions Revealed, is but a mirage that we like comparing. But this winged melody possesses nevertheless the same effect of comfort, of to hear an old friend. We float within this minimalist melody to the uncertain and undoubtedly nebulous forms which presents constantly an accentuated inflection, like a fluttering which becomes viral. Sometimes I have the impression that Steve snivels through this opaque passage so much the tone of the melody is a reflection of condolence and where the slow movements in the wings loaded of ever-changing colors prostrate themselves as prayers. An insidious melody my friends whose meditative layers tangle the colors of the harmony in a slow horizontal spiral. A little as the specter of a huge squid in an oceanic bottom gone iridescent by the thousand fires of a weighty sun. My ears, which are marked by musical imprints of thousand albums of EM for more than 35 years, recognize here this spectral melody, very cold and flavored by powder of copper, but oh much delicious of Mojave Plan from Tangerine Dream's White Eagle. Except that here she is especially slower and more encompassing. It's as if we were between two universes. In a few words, the imagination becomes fertile as our feelings soar with this undeniable effect of crescendo which slumbers between the depths of "The Passing". Can a so long title hide an effect of redundancy? A drying up of our interest? That always depends of our expectations. Except that at this level “The Passing” is not really different from the other sonic Masses of Steve Roach. On the other hand, we always have this impression that "The Passing" evolves with subtle differences due to its colors which change as our ears lose it in the magnetism always fascinating of this slow shaded membrane which irradiates the mysticism of "The Passing". In brief, another very beautiful monument of ambient and meditative music of Steve Roach. The journey is beautiful and soft, the melody is mesmerizing and the structure is soaked with this bewitchment unique to Steve Roach. Great Roach here! But there I have this feeling of being redundant.

Sylvain Lupari (May 17th, 2017)
synth&sequences.com
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-CHRONIQUE EN FRANÇAIS-

Steve Roach a connu une fin d'année 2016 très productive avec 3 albums parus en Décembre. Et chacun de ces albums visitait les territoires soniques occupés par le synthésiste-penseur américain depuis qu'il a lancé Now en 1982. Je ne compte plus les albums depuis ce temps-là, tellement ils sont nombreux et noyés dans une impressionnante liste de rééditions. La dernière fois que j'ai tenté un calcul je crois que je dépassais le chiffre de 100. Mais peu importe! Si certaines de ses œuvres sonnent comme du déjà-entendu, notamment au niveau de la musique d'ambiances sombres, d'autres s'avèrent être des monuments de musique pensive, méditative et transcendantale. Comme cet impressionnant “The Passing” que Steve Roach a conçu en 5 jours, juste à temps pour être offert en format téléchargeable le jour de son 62ième anniversaire le 16 Février 2017. Habilement masterisé par Howard Givens, ce dernier album respire les doux parfums des meilleures musiques méditatives du musicien sculpteur d'ambiances californien. Un énième album de paysages sonores méditatifs! Est-ce que la source se tarie? Pas du tout! À tout le moins pas ici.
L'aventure contemplative débute avec une onde sourde qui étend sa présence, comme un guide nous faisant découvrir la grandeur des espaces vides. Des filaments brumeux s'extirpent de cette dense ombre qui semble flotter comme un passage vers un autre territoire. On peut entendre des flûtes secrètes manipuler la lourdeur incandescente de cette ombre dont les murmures se reflètent en un long bourdonnement incessant. C'est autour de la 14ième minute que le charme devient évidence! De lentes ailes porteuses d'harmonies sibyllines se mettent à planer tout autour de cette longue muraille de drones vocaux, réfléchissant une séduisante approche harmonieuse dont l’équivalence se trouve dans cette mélodie fantôme que nos oreilles dégustent depuis les premiers balbutiements de Reflections in Suspension, mais en mode lento. Et là loin de moi l'idée d'en tracer un parallèle, puisqu'au fil du temps j'ai compris qu'il y a qu'un Structures from Silence. Tout ce qui y ressemble, mis à part Emotions Revealed, n'est qu'un mirage que l'on aime comparer. Mais cette mélodie ailée possède néanmoins ce même effet de réconfort, d'entendre un vieil ami. On flotte avec cette mélodie minimaliste aux formes incertaines et assurément vaporeuses qui affiche constamment une inflexion accentuée, comme un flottement qui devient virale. Parfois j'ai l'impression que Steve larmoie à travers ce passage opaque tellement le ton de la mélodie est une réflexion de compassion et où les lents mouvements aux ailes plombées de couleurs moirées se prosternent comme des prières. Une mélodie insidieuse mes amis dont les couches méditatives enchevêtrent les couleurs de l'unisson dans une lente spirale horizontale. Un peu comme le spectre d'un calmar géant dans un fond océanique irisé par les mille feux d'un soleil plombant. Mes oreilles, qui sont estampillées d'empreintes musicales de milliers d'albums de MÉ depuis plus de 35 ans, reconnaissent ici cette mélodie spectrale, très froide et aromatisée de poudre de cuivre, mais oh combien délicieuse de Mojave Plan dans White Eagle. Sauf qu'ici elle est plus lente et surtout plus enveloppante. C'est comme si nous étions entre deux univers. Bref, l'imagination devient fertile à mesure que nos émotions grimpent avec cet indéniable effet de crescendo qui sommeille entre les entrailles de "
The Passing". Un si long titre peut-il cacher un effet de redondance? Un tarissement de notre intérêt? Ça dépend toujours de nos attentes. Sauf qu'à ce niveau The Passing n'est pas vraiment différent des autres messes soniques de Steve Roach. Par contre nous avons toujours cette impression que "The Passing" évolue avec de subtiles différences de par ses couleurs qui changent à mesure que nos oreilles la perdent dans le magnétisme toujours prenant de cette lente membrane ombragée qui irradie le mysticisme de "The Passing". Bref un autre très beau monument de musique d'ambiances méditatives de Steve Roach. Le voyage est beau et doux, la mélodie est envoûtante et la structure est imprégnée de cet envoutement unique à Steve Roach. Du grand Roach! Mais là j'ai l'impression d'être redondant.

Sylvain Lupari (17/05/2017)